《臥虎藏龍》 Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000)，導演：李安
配樂：譚盾
代表曲：
1、Silk Road
2、Yearning Of The Sword
在這部以莎士比亞的西式文化格調搭建的東方武俠世界中，音樂和武打設計創(chuàng)造了兩個最耀眼的亮點。雖然同樣采用了中西合璧的手法，但是譚盾所撰寫的樂章顯然更能體現出東方文化的神韻，也更符合東方人的聽覺審美趣味。
馬友友的大提琴在很大程度上是對以胡琴為代表的東方弦樂器的一種延伸，其深沉內斂的音色質地將武俠世界生死瞬間的沉重和江湖中人身不由己的孤獨捕捉得絲絲入扣。
從江南小調的絲竹之聲到新疆風味兒的塞外之音，譚盾創(chuàng)作的配樂并沒有簡單地圖解傳統(tǒng)武俠作品的豪氣，而是把蕩氣回腸的主題情愫化為一種韌性的質感揉進了每一段樂曲里，深得以柔克剛這一東方哲學要領。
即使對東方武俠文化一竅不通的西方人，都無法抗拒這份內涵獨具的情懷吸引，連奧斯卡都心悅誠服地將最佳原創(chuàng)電影音樂的桂冠戴在了它的身上。
《花樣年華》 In The Mood For Love（2000），導演：王家衛(wèi)
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Quizas Quizas Quizas(Nat King Cole)
2、Yumeji S Theme(Umebayashi Shigeru)
一代情歌皇帝奈特金柯爾(Nat King Cole)并不是第一次用他那有著強烈畫面的歌聲令一部影片的感情元素有質的飛躍，但卻是第一次讓人實實在在地意識到他的歌聲本身就是一副畫。和影片的畫面相互交疊的時候，就如同線條遇上了色彩，一幅畫才真正變得生動而完整了。
有人認為王家衛(wèi)的電影作品磨嘰矯情，但也有人喜歡那份揮之不去的情感糾結與反復。最重要的是他作為導演非常了解自己的作品需要什么，甚至需要什么樣的音樂，這張《花樣年華》絕對稱得上是王氏懷舊情結的一次集大成。
和奈特金柯爾三段曖昧味兒十足的插曲相得益彰的，是日本作曲家梅林茂滿懷試探的探戈式樂章，那份揣測把這部影片中男女主人公的內心狀態(tài)表現恰到好處。
在這張原聲專輯中真正為影片度身訂做的樂段非常有限，但是這三兩段曲子所產生的思緒潮涌，足以體現出四兩撥千斤的高水準。這還不是這張電影原聲專輯最神奇的地方，它的最大亮點在于即使是四處拼接來的既成樂章，也和影片要表現的主題貼合得如同照著模子刻出來的一樣天衣無縫。
《逃獄三王》 O Brother, Where Art Thou? (2000)，導演：科恩兄弟
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、You Are My Sunshine( Norman Blake)
2、Down to the River to Pray(Alison Krauss)
獨特的故事背景令這張原聲專輯有一種與眾不同的風味兒，和多數曲風較為混雜的電影原聲專輯不同，這張原聲專輯幾乎可以被看做一張地地道道的草根藍調精品集。在這些風格統(tǒng)一的牛肉味兒作品催化下，科恩兄弟炮制的這部影片更像是一部邊緣化的鄉(xiāng)土歌舞片，彌漫著一種百老匯式的幽默戲劇質感。
最令人佩服的還不是它那幾百萬張的銷售記錄，而是重新帶動了整個草根藍調類型音樂的復興，將這種古老的音樂類型推上了一個全新的高度。
這些無疑要歸功于制作人伯恩博內特(T-Bone Burnet)的融會貫通，他將帶有非常濃郁地區(qū)色彩的多種美國南方民間音樂元素——民謠、福音和鄉(xiāng)村巧妙地用現代流行方式加以融匯貫通，形成了一種溫情四溢的活化石效果。
可惜令人遺憾的是，并非每個人都懂得這種古樸型原聲專輯的價值和意義，甚至當年在這張原聲面世時居然收到了一分的超低評，事實證明，如今連打分的人都覺得當初的妄斷是何其可悲。
《魔戒首部曲》 Lord Of The Rings: The Fellowship of the Ring（2001），導演：彼得·杰克遜
配樂：霍華德·肖
代表曲：
1、Prologue- One Ring to Rule Them All
2、May It Be (by Enya)
盡管早在《指環(huán)王》這樣的史詩巨著出現之前，霍華德·肖(Howard Shore)深厚且濃郁的古典功底已經在他的《沉默的羔羊》(Silence Of The Lambs)、《七宗罪》(Se7en)、《蒼蠅》(The Fly)一系列作品中給人留下了深刻的印象，但是真正讓人充分領略到他在古典式樂章上驚人創(chuàng)造力的，還是非這部圍繞著托爾金的魔幻經典展開的華麗而豐富的交響詩莫屬。
為這樣一部長達三個小時的魔幻史詩創(chuàng)作配樂，確實不是一件輕松的事兒，霍華德用古典歌劇的高度與水準寫出了一部不僅在原聲領域，而且在當代古典領域都值得驕傲的全新作品。
作品中對人聲的大量富有神采、畫龍點睛的應用，印證了人的聲音本身就是這個世界上最美的樂器這一說法，特別是新世紀全能女王恩雅(Enya)宛如天籟的歌聲，將中土世界的神秘與絢爛表現得絲絲入扣。每一個聆聽過這張原聲專輯的人，都不得不為它那嚴謹的構架、跌宕的起伏、優(yōu)美的曲調、豐富的層次、復雜的情感深深折服，這已經不是一張普通的原聲專輯，而是一部真正具有奧斯卡最佳電影配樂分量的敘事交響。
《紅磨坊》 Moulin Rouge! (2001)，導演：巴茲·魯曼
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Bolero (Closing Credits)
2、Lady Marmalade
這張原聲并非第一張用后現代主義手法制造出來的原聲專輯，但卻是混搭得最有戲劇張力的一張原聲專輯。它的最大特色，就是絕大多數的插曲都是一些早已耳熟能詳并且五花八門的歌曲。
如埃爾頓約翰(Elton John)的《你的歌》(Your Song)、瑪麗蓮夢露(Marilyn Monroe)的《鉆石是女孩最好的朋友》(Diamonds Are a Girl’s Best Friend)、麥當娜(Madonna)的《宛如處女》(Like a Virgin)、惠特尼休斯頓(Whitney Houston)的《我將永遠愛你》(I Will Always Love You)、甚至還有《音樂之聲》(The Sound of Music)……為了適應片子本身的歌舞片類型，這些歌曲大都被改編成了百老匯音樂劇式的版本，倒也為影片增加了不少戲劇味兒。
這張原聲專輯充分證明只要用得適宜，一些早已膾炙人口的作品也能創(chuàng)造出為影片度身定做一般的效果。
以純嘻哈流行風味出現的主題歌《果醬女郎》(Lady Marmalade)為例，這首早在1974年就風靡全球的作品，精準地捕捉到了女主人公性感風騷的神韻。再度唱響全球，先后在五十多個國家的流行榜上登上冠軍寶座，一曲就創(chuàng)下了510萬張的驚人單曲銷售成績。
《夢之安魂曲》 Requiem For A Dream (2001)，導演：達倫·阿羅諾夫斯基
配樂：克林特·曼塞爾
代表曲：
1、Lux Aeterna
2、Marion Barfs
盡管這部影片以視覺轟炸式的蒙太奇手段展現人物的內心世界而給人留下了深刻的印象，但是讓這些時空混亂交錯，沒有任何敘事用途可言的表情畫面變得生動傳神、意味深長的，還是它那陰冷氣息濃郁同時又不乏唯美色彩的原聲專輯莫屬。
負責本片配樂創(chuàng)作的克林特·曼塞爾(Clint Marsell)是英國前舞曲樂隊“流行將吞噬自己”(Pop Will Eat Itself)的成員,他大膽地采用了電子、搖滾、工業(yè)之音和現代先鋒音樂共冶一爐的手法，緊緊圍繞著影片所講述的夏、秋、冬三個季節(jié)主題完成了一闕沉迷壓抑的情感挽歌。
再經過古典與先鋒兩界的跨界四重奏團體——克羅諾斯四重奏(The Kronos Quartet)精致細膩的演奏，重充分彰顯出影片本身的邪典(Cult)色彩。有意思的是，即使你從來沒看過這部影片，都不會對它的配樂感到陌生，尤其是一曲冬天的樂章《微光恒久》(Lux Aeterna)，不但常常出現在電影預告片和電視節(jié)目宣傳片中，更被改編成管弦樂曲《一座塔的安魂曲》(Requiem For A Tower)放進了史詩巨制《指環(huán)王2之雙塔奇謀》(The Fellowship of the Rings)的預告片中，甚至讓不少人誤以為是出自該片作曲家霍華德·肖(Howard Shore)的手筆。
《天使愛美麗》 Amelie (2001)，導演：讓-皮埃爾·熱內
配樂：揚·提爾森
代表曲：
1、Soir de fete
2、Pas si simple
在這部畫面美輪美奐、色彩鮮艷欲滴、各種瑰麗的奇思妙想此起彼伏的影片中，由法國新一代的電影配樂紅人揚·提爾森(Yann Tierson)所創(chuàng)作的配樂同樣美得令人過耳難忘。
誰又能這樣精妙般配的組合是偶然碰出來的呢？作為一名精通于多種樂器的音樂人，揚提爾森對于旋律的創(chuàng)造力是令人吃驚的，早在這部影片之前，他那偏于唯美的悠揚曲風就已經深入人心。連導演本人也是在聽到了他寫過的作品之后，才驚覺自己為影片苦苦尋找的樂章 原來就在自己的身邊。
當時正趕上揚提爾森要推出個人的新專輯，分身乏術的他只能讓導演在自己的舊專輯中找些合適的曲目，然后再創(chuàng)作一部分新的樂章給這部影片。誰也不曾想到當融合了鋼琴、手風琴和打字機、自行車輪轉等聲效交織成全新的幻想曲時，會比提爾森以往的創(chuàng)作更華麗曼妙、天馬行空，甚至被人認為不輸給以觸動心靈的旋律著稱的當代配樂大師邁克爾尼曼(Michael Nyman)，隨著主旋律一次次以各種變奏在片中蕩漾開來，人們的思緒早已飛到了九霄云外。
這張原聲專輯單在法國的銷量就突破了22萬張。
《特倫鮑姆一家》The Royal Tenenbaums (2001)，導演：韋斯·安德森
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、These Days(Nico)
2、Scrapping and Yelling(Mark Mothersbaugh)
一個分崩離析多年的家庭，因為身患絕癥不久于人世的父親，從彼此格格不入到重新找回融融的親情，如此一個看來略顯老套的故事，卻因為這張充盈著溫和自然氣息的原聲專輯，變得樸實親切、異常動人。在這張舒服的原聲專輯中，無論是民謠老將鮑勃迪倫(Bob Dylan)的吟游之作《帳篷》、以孱弱美著稱的朋克樂隊Velvet Underground的女主唱妮可Nico低吟淺唱的《這些日子》(These Days)、民謠詩人保羅西蒙(Paul Simon)率性十足的《我和胡里奧》(Me And Julio)、還是英國朋克樂隊雷蒙斯(The Ramones)野性不羈的《茱蒂是個朋克》(Judy Is A Punk)……
每一首歌都散發(fā)著一種強烈的六、七十年代氣息，完美地刻畫出身為一家之主的主人公特論內心深處對往昔的懷戀。
和這些洋溢著歲月留痕美的插曲相得益彰的，是出身于泥盆(Devo)樂隊的音樂制作人馬克馬德斯波夫(Mark Mothersbaugh)用古典巴洛克的筆調，寫下的帶有少許魔幻色彩的小品式配樂，為這個以情動人的故事更添了一抹似夢迷離的理想色彩。
《8英里》8 Mile (2002)，導演：柯蒂斯·漢森
配樂：埃米納姆、Obie Trice、50 Cent、Jay-Z等
代表曲：
1、Lose Yourself(Eminem)
2、Time of Your Life(Macy Gray)
身為一名白人歌手，能在黑人歌手長期壟斷統(tǒng)治地位的說唱音樂領域攀上一線巨星的行列，這部《8英里》(8 Mile)的主演埃米納姆(Eminem)本身就是一個奇跡。在這部根據他的真實經歷改編的影片中，埃米納姆演技上的表現如何姑且不做評論，他以音樂創(chuàng)作人身份為本片打造的原聲專輯獲得了巨大的成功，一曲《失去自我》(Lose Yourself)首次獲得提名就摘走了第75屆奧斯卡最佳原創(chuàng)歌曲獎的桂冠，并且打破了奧斯卡歷史上從未有說唱作品獲得這一獎項的記錄，鏗鏘穩(wěn)健的曲調中，它那直面現實、充滿銳氣的詞鋒令人感覺酣暢淋漓。
除了埃米納姆之外，這張原聲專輯中還匯集了Obie Trice、50 Cent、Jay-Z等多位說唱與嘻哈樂的高手，使人充分領略到說唱音樂那種說的比唱的好聽的魅力，兩周之內的銷量就超過了三百萬張，這意味著即使作為純說唱專輯論，它的水準也已經超出了電影背景之聲的高度。
《單親插班生》About A Boy（2002），導演：克里斯·韋茲、保羅·韋茲
配樂：達蒙·高夫
代表曲：
1、Something To Talk About
2、Above You Below Me
作為新世紀的新民謠運動最重要的中堅力量之一，“涂鴉男孩”(Badly Drawn Boy)達蒙·高夫(Damon Gough)為這部冒充單親爸爸追靚女為題材的有趣影片貢獻的全部音樂，充分顯示出他之所以被譽為“新民謠運動始作俑者”的魅力所在，因此也有不少樂評直 接將這張電影原聲視為他的一張個人專輯。
夢幻、輕快、活潑、愉悅的輕電子節(jié)奏，配上達蒙慵懶愜意而又不乏詼諧的趣味歌聲，還有不是穿插進來的各種奇妙有趣的聲效和優(yōu)雅大方的管弦樂共鳴，這種簡約明快的新式英國民謠調調聽起來儼然就是主人公的心境反射器，美好自在得令人有點羨慕嫉妒恨。
難怪連這部影片的導演——以拍攝《美國派》(American Pie)聞名的保羅維茨(Paul Weitz)和克里斯維茨(Chris Weitz)兩兄弟都對他的表現贊不絕口。
特別是一曲《無聲的嘆息》(Silent Sigh)，完全融入了劇情之中，讓人對主人公的心情感同身受。
《死亡幻覺》 Donnie Darko （2002），導演：理查德·凱利
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Love Will Tear Us Apart(Joy Division)
2、Mad World(Michael Andrews)
任何藝術作品，如果擁有別出心裁、不落俗套的創(chuàng)意，就很容易在同類作品中實現鶴立雞群的效果，這張《死亡幻覺》(Donnie Darko)的原聲專輯就是一個最好的例子。
在這部彌漫著懸疑氣息的驚悚之作中，無論是歌曲還是配樂都不是我們想象的這類題材中常見的面貌，它既沒有渲染驚恐效果的不和諧音，也不是乖張暴戾的嘶吼，反而出奇得憂郁迷離、滿懷詩意，成功地實現了導演的真正意圖——為逝去的青春哀嘆傷感。
從快樂分裂樂隊(Joy Division)、伊克斯樂隊(INXS)、潘多拉樂隊(Pantera)、回聲和班尼人樂隊(Echo & The Bunnymen)到懼之淚樂隊(Tears For Fears)這一連串七十年代末到八十年代深受歡迎的搖滾團體，我們能感受到導演著力為影片打造的八十年代氣氛。
音樂人邁克爾安德魯斯(Michael Andrews)在受命不使用吉他和鼓的情況下，堅持演奏自己擅長的鋼琴、馬林巴琴和木琴，一個人將懼之淚樂隊在片尾畫龍點睛的《瘋狂的世界》(Mad World)化為了一首憂郁空靈、直觸靈魂深處的青春挽歌。
《迷失東京》Lost In Translation (2003)，導演：索菲亞·科波拉
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Death In Vegas(Girls)
2、Are You Awake(Kevin Shields)
兩個失眠的美國人在一個寂寞的晚上，卻在東京的一家酒吧里相遇了，心中泛起了情感的漣漪，開始期許著這次相遇是個改變一切的奇遇，它的原聲專輯為這份迷茫找到了最佳的氣氛渲染途徑——電子迷幻，也讓這張原聲專輯蒙上了一層神奇的冰火兩重天境界。
從“我的血腥情人”(My Bloody Valentine)的《有時》(Sometimes)到“耶穌瑪麗連鎖”(The Jesus & Mary Chain)的《就像蜜糖兒》(Just Like Honey)、從《女郎們》(Girls)、《托米比》(Tommib)到《你醒了?》(Are You Awake?)，不管是味如念經的歌曲還是一個節(jié)奏到底的純曲兒，在沒有欣賞過這部影片之前，都會讓你感覺晦澀空洞甚至有些乏味，但是一旦放諸到影像背后，這些作品霎時間鮮活了起來，不但把東京午夜那種令人迷失的綺麗之美描繪的惟妙惟肖，還變得很有內涵，令人浮想聯翩。
迷離的旋律、奇異的音效，陌生感與疏離感情不自禁地從喧鬧的表象后凸現出來，你也會不知不覺在它所編織的現代都市形象中發(fā)現自己已經身陷一種無所歸依的寂寞之境，和主人公一樣難以自拔。
《情歸新澤西》 Garden State (2004)，導演：扎克·布拉夫
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Don't Panic(Clodplay)
2、Winding Road（Bonnie Somerville)
同是以民謠作品唱主調，同是清新自然，令人心曠神怡，這張《情歸新澤西》的原聲專輯，在整體質感上絕對能讓人感覺到一種和《特倫鮑勃一家》截然不同的年代訴求。
酷玩樂隊(Coldplay)、辛氏樂隊(The Shins)這些當代的熱門團體猶如春風拂面的歌聲，進一步強化了影片本身的青春氣息。尤其是的酷玩樂隊創(chuàng)作并演繹的主題歌《別驚慌》(Don’t Panic)，將一種令人心碎的情緒發(fā)揮到了極致，配合著片中的情感糾葛，格外令人唏噓感嘆。
和多數歌曲類原聲專輯 將一些既成的作品五味陳雜地堆砌在一起不同，這張《情歸新澤西》有著非常明顯的主題概念之外，甚至可以說是為專門處在情感困惑期的人們特備的一劑情感紓解良方。
在一首又一首帶有內省色彩和悵惘質感的歌聲中，仍然保留著一份尚未消磨的樂觀與豁達，將影片本身開啟人們情感心扉的主旨表達得絲絲入扣，因此榮獲了2005年格萊美最佳電影音樂原聲帶獎。
《絕代艷后》Marie Antoinette (2006)，導演：索菲亞·科波拉
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Concerto In G Roger Neill
2、Plainsong(The Cure)
在這部以法國歷史上最美麗的皇后為主角的影片中，我們再度見識了后現代主義的創(chuàng)作手法，尤其是電影原聲專輯，在曲目混搭的廣度與深度上，比起同類型的《紅磨坊》來更是有過之無不及。
據說早在1980年，導演索菲亞科波拉還處于創(chuàng)作的劇本階段，她就已經開始在“新浪漫樂派”的風潮中尋找靈感。這個明顯傳承18世紀的奢華音樂風潮的新派別，強調的是一種奢華的時尚感和快樂主義的趣味感相混合的魅力。
最終，這種明顯與傳統(tǒng)的搖滾樂、憤怒的朋克樂有著強烈對立意味的新音樂主張，成為了本片主人公形象的聲音代言，毫無保留地襯托出主人公的快活自在的個性。
在這鍋華麗的亂燉中，我們既可以聽到巴洛克時代的大師安東尼奧韋瓦爾地(Antonio Vivaldi)這樣的十八世紀古典音樂大師的手筆，也能聽到空氣樂隊(Air)、治療樂隊(The Cure)這些二十世紀的流行搖滾樂團之聲，可謂比嘉年華會還要熱鬧，生動地描繪出了法國歷史上這個最富有傳奇色彩的皇后形象。
《曾經》 Once（2007），導演：約翰·卡尼
配樂：格倫·漢塞德、瑪可塔·伊爾格洛娃
代表曲：
1、Falling Slowly（Glen Hansard）
1、If You Want Me（Glen Hansard）
銀幕上一直都不乏清新浪漫的愛情故事，也不乏旋律悠揚充滿清新風味的小曲兒，何以這部《從前》會如此另都市白領青睞，甚至被封為清新神作呢？皆因音樂在這部影片中扮演的不再是畫面的襯托品角色，而是貫穿整個電影結構的一條主線。前愛爾蘭獨立樂隊“畫框”(The Frames)的靈魂人物格倫漢薩德(Glen Hansard)與捷克才女音樂人瑪琪塔厄戈洛娃(Marketa Irglova)用一種不著痕跡的筆觸，緩緩釋放出一種持久而余韻裊裊的情感張力。
和常見的那些清新小調透澈見底的風貌不同，這是一張需要時間慢慢消化才能真嘗出其內藏的豐富滋味。隨著聆聽次數的增加，你會發(fā)現，雖然它只是基于簡單的吉他和弦、而不是什么非凡的管弦樂構架完成的，旋律之間的相互穿插與映射也很明顯，但是由聽覺帶來的情感觸動一點不比那些復雜的交響樂遜色。
一曲平凡中見不凡的《緩緩降臨》 (Falling Slowing》，不但拿下了第80屆奧斯卡最佳電影歌曲獎的桂冠，亮相的一刻還成為了近年來的這項盛事的最佳片段之一。
《太陽浩劫》 Sunshine（2007），導演：丹尼·鮑爾
配樂：約翰·墨菲
代表曲：
1、The Surface Of The Sun:（點擊播放）
2、Two Last Hopes:（點擊播放）
在這部毀譽參半的作品中，音樂反而成為了最亮眼的一道風景線。負責作曲的是當時來自英國利物浦的配樂新銳約翰·墨菲(John Murphy)，早在上個世紀九十年代初期，他就開始涉足影視音樂創(chuàng)作，并取得了不俗的成績，之后移居洛杉磯，開始和注入丹尼博伊爾(Danny Boyle)、史蒂芬弗雷斯(Stephen Frears)和邁克爾曼(Michael Mann)等一些業(yè)內受人尊敬的杰出電影制作人合作，這部《太陽浩劫》就是他以一部《驚變28天》(28 Days Later)受人矚目之后，和導演丹尼伊博爾梅開二度的合作。
這次，他依然運用所擅長的電子元素，成功地為這部《太陽浩劫》營造出了一種虛幻迷茫、?；笃嗝劳瑫r又不乏緊迫銳利的末世氣息。以片中最令人難忘的飛船劃過水星一幕為例，空靈飄渺的電子天籟以唯美的姿態(tài)勾勒出 太空世界的宏偉帶來的無依感。這種通過舒緩輕柔的音符帶來的惶惑與不安，和《驚變28天》有著異曲同工之妙。
《荒野生存》Into The Wild （2007），導演：西恩·潘
配樂：艾迪·威德、邁克爾·布魯克、Kaki King
代表曲：
1、No Ceiling
2、Guaranteed
參與電影音樂的創(chuàng)作似乎是不少玩樂隊的音樂人都會走的一條出路，從恐怖海峽、YES、U2等例子看，這條路走得還不錯。這些音樂人特立獨行的曲風，往往會為影片樹立一種非比尋常的個性基調，來自老派樂隊珍珠果醬(Pearl Jam)的艾迪威德(Eddie Vedder)離隊后的第一張個人曲集，就是這張以堅毅樸實的民謠之作打動人們的原聲專輯。
簡潔流暢的特點，在這張專輯中無處不在，簡單的吉他和弦在兩三分鐘的時間里就把人們追求自然的本能給徹底勾了出來，不知不覺你會發(fā)現自己被一種浪漫的鄉(xiāng)土情懷深深感染了，唯一體會到的就是主人公那顆渴望自由的心。
除了對電影的情感催化作用，這張值得人們靜下心來反復品茗的原聲專輯從音樂的屬性上看也是一張難得的精品，不僅因為其中收錄的作品悠揚悅耳、親切動人，更因為它也是一張音色圓潤綿延的發(fā)燒片，甚至登上了公告牌專輯榜的第11位。
《血色將至》There Will Be Blood（2008），導演：保羅·托馬斯·安德森
配樂：強尼·格林伍德
代表曲：
1、Proven Lands
2、Prospectors Quartet
隨著《挪威的森林》(Norwegian Wood)、《凱文怎么了》(We Need To Talk About Kevin)這兩次為保羅托馬斯安德森(Paul Thomas Anderson)的影片作曲，身為著名搖滾樂團“電臺司令”(Radiohead)吉他手的強尼·格林伍德(Jonny Greenwood)已經證明，他是一個足夠為那些充滿違和色彩的故事制造出風聲鶴唳型配樂的高手。
在這部《血色將至》中，人們會被一種蒼涼陰沉、壓抑不安的情緒緊緊纏繞，甚至有種窒息的感覺。戲精丹尼爾戴劉易斯(Daniel Day Lewis)出神入化的表演，對這種戲劇張力的凸現固然功不可沒，但是離開了約翰創(chuàng)作的配樂，其內心世界的解讀效果絕對會大打折扣。
約翰在這部作品中充分展露出他對那種肅殺調調的熱愛，濃墨重彩地刻畫出片子本身要表現的那份令人觸目驚心的殘酷與血腥，即便是一些激進歡快的段落里，驚懼與不安的情緒仍然如影隨形，約翰本人因此也成為了創(chuàng)造不安感、扭曲張力及這類負面情緒的英國新潮派配樂家的一個典型代表。
《黑暗騎士》The Dark Knight（2008），導演：克里斯托弗·諾蘭
配樂：漢斯·季默、詹姆斯·紐頓·霍華德
代表曲：
1、Why So Serious
2、Like A Dog Chasing Cars
和大多數出自相同配樂人之手的續(xù)集電影配樂一樣，《黑暗武士》不可避免地沿用了很多前一部《蝙蝠俠前傳》(The Batman Begins)的主要樂章，甚至在重頭戲打造上都采用了極其相似的做法。但也正是這種少見的音樂創(chuàng)作在前，實際拍攝在后的手法，使得漢斯季默(Hans Zimmer)、詹姆斯紐頓霍華德(James Newton Howard)的創(chuàng)作發(fā)揮出了應有的最佳效果。
通常在動作類的商業(yè)大片配樂中，配樂都很容易淪為某些場景畫面背后毫無意義的活動布景，只是平添點刺激耳朵的動靜罷了，這種聲效化的趨勢是近年來配樂界的有識之士不滿的焦點。
但是在這部《黑暗騎士》中，聲效化的質感恰如其分地凸顯出了主人公的特別形象，單憑這一點，這張原聲專輯已經把時下泛濫的那種整個影片看 完，還沒有一段樂章或者說一個音符在腦海中留下印象的商業(yè)大片配樂遠遠甩在了身后。
無論是滿懷使命感的蝙蝠俠新主題、還是小丑令人戰(zhàn)栗的低壓銅管、抑或略顯悲憫的救贖情感主題……都和影片要表達的寓意緊密呼應，不得不令人感嘆這是一個有血有肉的英雄樂章。
《飛屋環(huán)游記》 Up (2009)，導演：彼特·道格特、 鮑勃·彼德森
配樂：邁克·吉亞奇諾
代表曲：
1、Married Life
2、Carl Goes Up
在過去的十年時間里，很難再找到這樣一段令人感動得涕淚交加、從心底里發(fā)出共鳴的情感之音了。這不僅是《飛屋歷險記》中最具華彩的段落，而且是一種被荒廢了很久的樸實情懷，一對相濡以沫的夫妻在這溫暖而不乏俏皮有趣的爵士化主題中以片段閃現的方式，令人感受到了一種日積月累、難以割舍的永恒情感。
曾經先后和皮克斯工作室合作過《超人總動員》、《料理鼠王》的新一代配樂高手邁克·吉亞奇諾(Michael Giacchino)，用一種回歸傳統(tǒng)的筆觸，重新為人們示范了金銀年代那種綿厚溫存的配樂傳統(tǒng)所產生魅力是何其巨大。
作為時下好萊塢頂尖級的電影配樂家之一，邁克·吉亞奇諾在這部作品中顯示出很強的類型掌控力。無論是氣球一飛沖天時那種媲美星戰(zhàn)與星際旅行等科幻史詩的豪邁之音，令人忍俊不禁的冒險過程中一連串插科打諢式充滿喜感的攪拌之聲，還是主人公和妻子之間那段跨越生命、令人刻骨銘心的浪漫情感主題，在他的拿捏下都發(fā)揮得淋漓盡致，幾乎快要讓人忘記了這是一部主要拍給孩子們看的動畫片。
《歪小子斯科特》Scott Pilgrim Vs. The World (2010)，導演：埃德加·賴特
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Scott Pilgrim
2、Teenage Dream
改編自漫畫，主人公又是一個樂隊的貝斯手，即使你沒有看過這部電影，仍然不會影響你的想象，會是怎樣的音樂作品在給這樣一部為宅字輩青少年準備的天馬行空片搖旗助威。充滿爆發(fā)力與宣泄感，是這張原聲專輯最顯著的特點，無論是暴龍樂隊(T. Rex)、滾石樂隊(The Rolling Stones)這些廣為人知的搖滾老炮，還是貝克(Beck)、黑唇(The Black Lips)和藍石(The Bluetones)這些獨立藝人，都以奔放張揚、酷勁十足的吶喊挑起青春躁動的快感。
艾德加懷特(Edgar Wright)創(chuàng)作的配樂同樣為布萊恩李奧馬爾利的原著漫畫帶來了令人欣喜的改觀，片中有三支虛構的頂級樂隊，事實上每支樂隊都很出彩，懷特為這些樂隊打造的帶有強烈個人色彩的華麗獨立搖滾作品，曾在當年掀起了不小的高潮。
可惜令人遺憾的是，這些影片中出現的精彩作品并沒有全部收錄在這張原聲專輯之中。
《創(chuàng)：戰(zhàn)紀》Tron: Legacy (2010)，導演：約瑟夫·科金斯基
配樂：蠢朋克(Daft Punk)
代表曲：
1、Disc Wars
2、Flynn Lives
作為一部具有先鋒探索意義的作品，1982年的《電子爭霸戰(zhàn)》(Tron)無疑在視覺和聽覺兩個層面都達到了當時的技術高峰，美國合成器先鋒派音樂人蒂卡洛斯(Wendy Carlos)當年寫下的銳利電子樂章，如今聽來仍然不失科技味道。
28年后，當它的續(xù)集《創(chuàng)戰(zhàn)記》搬上銀幕時，牽頭作曲的重任落在了曾經獲得過格萊美獎的法國著名雙人電子組合“蠢朋克”(Daft Punk)的肩上，只是這次創(chuàng)作所用的利器還是電子合成器。
經過時代的變遷，電子合成器的音色早已有了質的飛躍，所以這次合成器打造出了的不少樂章，厚度幾乎可以與真正的大型管弦樂隊不相上下了，所以當他們的合成器之聲與真實的大型管弦樂團演奏交匯在一起的時候，“振聾發(fā)聵”已經成了對這張原聲專輯最保守的描述。
身為原作的忠實追隨者，“愚蠢朋克”在這張原聲的音樂風格把控上保持了個人擅長的構架，用百人交響樂團走出一些小調性協(xié)奏的旋律，再針對柔版抒懷與不和協(xié)音程遞進兩方面元素實現電子化，產生一種冷酷而又優(yōu)雅的奇妙味道，正好對應上黑暗與熒光對比形成的視覺反差美感，可謂恰到好處。
《社交網絡》 The Social Network (2010)，導演：大衛(wèi)·芬奇
配樂：特倫特·雷諾、阿提戈斯·羅斯
代表曲：
1、In The Hall Of The Mountain King
2、Magnetic
當奧斯卡最佳電影配樂的桂冠落在這部作品的頭上時，有不少人認為“小金人”是想突破想瘋了。然而當你真正靜下心來，仔細地品茗這部影片講述的故事，就會發(fā)現這張原聲專輯的價值所在。在這部以互聯網名牌“臉書”(Facebook)的誕生與崛起的過程為主題的傳記片中，美國工業(yè)搖滾的大牌樂隊九寸釘 (Nine Inch Nails)的主唱特倫特·雷諾(Trent Reznor)和英國作曲家阿提戈斯·羅斯(Atticus Ross)攜手，一起完成了這幅用現代感與數字感十足的電子音樂筆觸勾勒的互聯網這個抽象的虛擬世界畫卷。
同樣的電子元素，在川特和羅斯的手上用得并不花哨絢爛，相反川特獨特的暗黑創(chuàng)作風格彌漫在每一個音符里，單獨聽來就像吃飯喝水般坦然平靜，甚至有些乏味，但是一旦放在大衛(wèi)芬奇令人暈眩的畫面里，主人公內心的焦躁與憂郁就會如親身感受般糾纏在心頭，進而切身感悟到整部影片的靈魂所在。以彌合豐富畫面的情感內核來說，這張原聲專輯是無負其最佳電影配樂這一榮譽的。
《盜夢空間》 Inception (2010)，導演：克里斯托弗·諾蘭
配樂：漢斯·季默
代表曲：
1、Dream Is Collapsing
2、Mombassa
這是一部非常難以歸類的影片，諾蘭謀殺腦細胞的構架和開放式的結尾固然帶給了人們無窮的糾結與思索，但是它那充滿實驗意味的視覺化配樂同樣令人拍案叫絕。
“史詩！”、“如雷貫耳”、“令影像震撼！”——這些你能想到形容其磅礴效果的詞匯在它的面前，都顯得如此蒼白渺小。漢斯季默創(chuàng)作的樂章在沖擊力方面一貫不小大，是到這張原聲程度的還是前所未有，貫穿始終的低音銅管主弦時不時象背穿刺一樣。令你無法忽略它帶給內心的情緒共鳴與撞擊。
這也是一部充分證明電影音樂的創(chuàng)作如果能和影片本身的創(chuàng)作緊密結合起來，實現彼此間真正的互動，會實現怎樣一種驚人效果的作品。眾所周知，諾蘭一直以來對巨幕宏偉的畫面都情有獨鐘，而漢斯多年來在工作室里打造電影配樂時，也有著類似的情懷。在他們兩人的共同醞釀之下，巨大的概念不僅存在于眼睛看得到的有 形畫面上，也存在于耳朵聽到的無形音質上，也才有了象這張原聲專輯中的《夢在折疊》(Dream Is Collapsing)和《蒙巴薩》(Mombasa)一樣，越來越泥足深陷、無法自拔，真正達到音畫難分程度的樂章。即便再過幾年，它在新世紀以來的電影原聲專輯中數一數二的江湖地位相信也和影片一樣，很難輕易被撼動。
《黑暗騎士崛起》The Dark Knight Rises (2012)，導演：克里斯托弗·諾蘭
配樂：漢斯·季默
代表曲：
1、Gotham's Reckoning
2、Rise
在一個高峰之后要延續(xù)并創(chuàng)造另一個新的高峰，并不是一件簡單的事兒。但是這部《黑暗騎士崛起》無論是從影片本身還是它的原聲專輯都做到了等量齊觀，或者說至少不是和前作相去甚遠，更不是狗尾續(xù)貂。
漢斯季默(Hans Zimmer)煥然一新的現代動作樂章，儼然已經成了這個系列作品新的招牌之聲。盡管時下有太多電影配樂人在動作大片的音樂創(chuàng)作上模仿漢斯那種充滿壓迫感 和爆發(fā)力共存、銳度與厚度并重的調調，但是還沒有一個人能在不斷拓展出新實驗成果方面與他相提并論。
通過合聲采樣制造的鼓舞聲浪，無疑是這部電影中最值得書寫的一段聲效式配樂，它把布魯斯韋恩毫無退路、必須靠意志力爬出生天的破釜沉舟之心，表現得極具感染力，連觀眾都忍不住跟著在暗中使起了勁兒。
卡莉西蒙(Carly Simon)充滿悲憫與救贖色彩的合聲，也是專輯中的一個神來之筆，將人性中犧牲小我，完成大我的光輝充分彰顯了出來。
《亡命駕駛》Drive (2011)，導演：尼古拉斯·溫丁·雷弗恩
配樂：克里夫·馬丁內茲
代表曲：
1、Bride of Deluxe
2、Oh My Love(Riz Ortolani)
在這部混合了60年代的B級片、70年代的黑幫片和90年代的好萊塢黑色幽默風等多種特點的影片中，音樂從一開始就被70后導演尼古拉斯溫丁雷弗恩 (Nicolas Winding Refn)定位在了他自己最難忘的80年代，并且要求原紅辣椒樂隊(Red Hot Chili Peppers)的鼓手克里夫馬丁內茲(Cliff Martinez)寫出那種曾經在80年代滿大街都可以聽到的合成器演奏的電子樂，結果馬丁果然寫出了具有強烈80年代氣息的電子樂章，將那種老派電影的 獨特風味兒調制得生動地道。
除了克里夫的老式電子樂章大放光彩之外，片中其他音樂人書寫的段落也很有復古的味道。從蘭樂隊(The Chromatics)飽含時光流逝感的《時鐘滴答》到法國電子音樂人卡文斯基(Kavinsky)夜店曲式的《夜之呼喚》(Nightcall),從熱 門電子組合“大學”(College)和“電子青春”(Electric Youth)合作的靈幻吟唱《一個真英雄》到卡提娜蘭妮婭里(Katyna Ranieri)宛如圣歌的《我的愛》(Oh My Love),都讓人有一種熟悉的感動。
《007天幕殺機》 Skyfall (2012)，導演：薩姆·門德斯
配樂：托馬斯·紐曼
代表曲：
1、Brave New World（Thomas Newman）
2 、Skyfall（Adele）
不管這算不算是詹姆斯邦德(James Bond)這位舉世聞名的特工勞模最出色的銀幕作品還很難下結論，但是英國女歌手阿黛兒(Adele)帶來的同名主題歌，絕對是這個系列從《殺人執(zhí)照》 (Licence To Kill)以來最稱職，也是最棒的一首邦德主題歌，旋律中那熟悉的魅惑感正是邦德主題歌失傳已久的特有韻味。
整體質感上的回歸與人物情感上的挖掘是這部邦德電影創(chuàng)下歷史記錄不可或缺的兩大成功要訣，而配樂在其中的推波助瀾同樣不可小覷。
首次為邦德片配樂的托馬斯紐曼(Thomas Newman)并沒有采用銅管有節(jié)奏的攢動套路，而是改以簡單低調的和弦，充分放大了傳統(tǒng)邦德片配樂那種懸疑、神秘甚至略帶詭異色彩的特點，正是這種低沉陰郁的冷戰(zhàn)質感，使影片本身從頭到尾都呈現出一種令人喘不過氣來的壓迫快感，令人大呼過癮，傷感悲情而不煽情的情感主題樂章《母親》(Mother)、散發(fā)著以銅管恢弘的鳴響為核心的神秘東方主題，也都在熟悉的傳統(tǒng)風味基礎上，為影片涂上了一層令人眼前一亮的新妝。
《霍比特人》 The Hobbit: An Unexpected Journey (2012)，導演：彼得·杰克遜
配樂：霍華德·肖
代表曲：
1、The World Is Ahead
2、Song Of The Lonely Mountain(Neil Finn)
彼得杰克遜帶著他的中土世界回來了，一同回來的當然還有《指環(huán)王》系列的交響史詩之音締造者——音樂大師霍華德肖爾(Howard Shore)。作為《指環(huán)王》系列的配樂掌舵人，他讓《指環(huán)王》的音樂元素和它的畫面一樣，從《霍比特人》這個新故事的節(jié)點中不斷滲出來，給人一種老友重逢的感覺，但又絕不是簡單的老調重彈，幾乎每一段熟悉的主題都有了一些不同以往的新面貌。
似曾相識又不乏新意，整張電影原聲專輯在一脈 相承的旋律質感中，為《霍比特人》找到了屬于它自己的特性——更加濃郁強烈的雄性氣息。特別是主題歌《孤山之歌》(Song of Lonely Mountain)，完全就是一群純爺們兒的家國情懷詠嘆調。所以，這部《霍比特人》的原聲整體形象比指環(huán)王更顯剛勁和霸氣，雄渾內斂的男聲，散發(fā)出一種感性悶騷中不乏堅毅硬朗的男子氣概，以彰顯前路將一場極為漫長、艱難、甚至殘酷的硬仗。
《被解放的姜戈》 Django Unchained (2012)，導演：昆汀·塔倫蒂諾
配樂：多位藝術家
代表曲：
1、Sister Sara's Theme（Ennio Morricone）
2、Django
拿來主義和混搭手法，一直以來都是昆丁塔倫蒂諾(Quentin Tarantino)這位怪才導演的至愛，他喜歡將自己熱愛的一些經典既成曲目放在自己執(zhí)導的影片中，這部以南方黑奴解放運動時代為背景，卻在一定程度上帶有向西部片致敬意味的新作當然也不例外。
至于這樣的行為在原作者看來到底算是致敬還是褻瀆，他似乎視而不見。包括音樂大師顏尼歐莫瑞康(Ennio Morricone)、路易斯巴卡爾洛夫(Luis Bacalov)在內的歐洲西部片配樂高手寫下的一些名垂影史的經典樂段，這次被放在了這個美國南方背景下的黑奴復仇故事里，一段段似曾相識的樂章為影片或劍拔弩張、或蓄勢待發(fā)的場景增添了不少具有強烈情緒感染力的戲味兒。
也許是這些私藏的老古董太出色了，每每讓那些專門為影片打造的帶后現代主義輪廓的新作顯得相形見拙。瑞奇羅斯和主演的明星杰米福克斯(Jamie Foxx)、安東尼漢密爾頓(Anthony Hamilton,)以及2PC和詹姆斯布朗(James Brown)混搭之作這些新寫的作品倒是缺乏醒目的表現。
《云圖》 Cloud Atlas (2013)，導演：湯姆·提克威、安迪·沃卓斯基、拉娜·沃卓斯基
配樂：湯姆·提克威、約翰尼·克萊默、雷恩侯德·黑爾
代表曲：
1、The Atlas March
2、The Cloud Atlas Sextet for Orchestra
先不談影片本身是虛頭巴腦、野心大而力不足的花把式，還是復雜豐富需要層層拆解才能看懂的的燒腦神作，它的原聲專輯絕對稱得上近年來最養(yǎng)耳但同時也最費腦子的一部作品，特別是這首對整部作品的主題起到畫龍點睛、直入靈魂效果的動人樂章——《云圖六重奏》，可謂美得令人心碎。
它以G大調為軸心往復循環(huán)著， 每循環(huán)一次，音樂的結構層次就加深一級，從單聲部發(fā)展到二聲部、再發(fā)展到三聲部……
和聲樂器不斷在增加，層層遞進地從簡單的基礎旋律一路推成豐富澎湃的交響韻律，當輝煌的六聲部出現時，對情感成長軌跡的喻示赫然擺在了面前。這種嚴謹周密的音樂構架和追求本源的創(chuàng)作態(tài)度不要說是在今天的電影音樂領域，就是在嚴肅音樂領域都是不多見的。
德國最經典的廣播樂團——萊比錫廣播交響樂團出神入化的演奏，加上號稱“小伯恩斯坦”的美國指揮家克里斯蒂安雅兒擔任指揮，令這部恢弘的古典畫卷更顯得熠熠生輝。
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